Las secciones de los jueves anteriores contaron siempre con grandes discos de la historia del rock, pero hoy la historia se centra en un vinilo que no tuvo tanto éxito comercial, como sí lo tuvieron los anteriores y posteriores discos de los Beatles, pero sí contiene grandes canciones que quedaron a través del tiempo. El foco de hoy es “Magical Mistery Tour”, lanzado el 8 de diciembre de 1967 en Europa (en EEUU no salió a la venta).
Portada de Magical Mistery Tour - 1967
Este EP (Extended Play) fue lanzado como un paquete especial con la banda sonora de la criticada película con el mismo nombre del disco. Adentro, traía un libro con fotos exclusivas, un cómic de la historia y las letras de todas las canciones.
Si bien su éxito no fue rotundo, el álbum fue una nueva muestra de la expansión psicodélica de los cuatro de Liverpool. Ya desde la primera canción invitan a esa locura de fines de los 60´s: “The magical mystery tour is waiting to take you away” (“La mágica gira misteriosa espera llevarte”), dice la letra. Esta psicodelia se ve reflejada también en temas como “Blue Jay Way” de Harrison, muestra de su visceral influencia de la música hindú; “I am the Walrus”, el puro surrealismo Lennon; y “The fool on the hill”, con el impresionismo y el poder de composición de Paul McCartney.
Quizás lo más destacable es la dupla de sencillos: “Strawberry fields forever”/ “Penny Lane”, dos clásicos legendarios de la banda. Además, el disco incluye la primera canción instrumental de The Beatles, "Flying", que también es la primera en llevar los cuatro nombres como los autores en forma conjunta.
El disco finaliza con un tema que perdura a través de los años y que representa los ideales de la cultura hippie: la paz y el amor, ambos dibujados en “All you need is love”, compuesta por Lennon y presentada en “Our World”, la primera transmisión global de televisión vía satélite, por lo que se convirtió en una de las canciones más populares del grupo.
Canciones
1. “Magical Mystery Tour” - 2:48 2. “The Fool on the Hill” - 3:00 3. “Flying” - 2:16 4. “Blue Jay Way” - 3:50 5. “Your Mother Should Know” - 2:33 6. “I Am the Walrus” - 4:35 7. “Hello, Goodbye” - 3:24 8. “Strawberry Fields Forever” - 4:05 9. “Penny Lane” - 2:57 10. “Baby You're a Rich Man” - 3:07 11. “All You Need is Love” - 3:57
El otro día estaba leyendo un excelente libro llamado “1984”, de George Orwell, en el que el autor plantea una sociedad futurista dominada, aunque la gente no se de cuenta, por un gobierno totalmente autoritario llamado “Gran Hermano”. Al ser manejadas por ese régimen, no ven otra cosa que lo que deciden las autoridades, censurando todo aquello que vaya en contra de los mismos.
Toda esta historia que parece muy loca, muy bien pensada en la década del ´40, en realidad me hizo recordar algo que sí sucedió en nuestro país, la dictadura militar de 1976, donde toda persona o idea que no tenía los mismos objetivos de “reorganización nacional” que ella, era censurada o eliminada. Esto pasó con gente, películas, libros, canciones y por supuesto también con discos, y acá llegamos a la cuestión.
Los invito a pensar un segundo en esa situación. Estar en el momento en que cualquier disco, en especial de rock, era sacado de las vidrieras y de los mostradores por tener un contenido “subversivo”, por mostrar a la gente otra ideología, otra forma de pensar que no era la del gobierno de turno.
Un ejemplo claro es el de “Adiós Sui Generis”, el último LP del dúo que formaban Charly García y Nito Mestre, que salió también como película en los cines, calificada “para mayores de 18 años”, y unos meses más tarde fue censurada totalmente. Me es difícil comprender, hablando desde el hoy, como una expresión artística, creativa y personal sufra tal acto de intolerancia. Pero esto ha ocurrido en varios momentos duros de la historia, y no solo en nuestro país, sino muchos países como Alemania o Italia donde han pasado regímenes militares igual, o quizás peores, que el de Videla.
No olvidemos el texto de Orwell, que nos enseña que debemos tener la mente abierta a todas las expresiones culturales, no enfrascarnos en una, y disfrutar de la libertad de expresión (la que sea) que podemos disfrutar en la actualidad.
El álbum de hoy no es solo uno de los éxitos más famosos de Pink Floyd, sino que es uno de los LP más importantes de la historia del rock, nada menos que “The dark side of the moon” (“El lado oscuro de la luna”), resultado de la producción de los cuatro miembros del grupo británico: David Gilmour (voz y guitarra), Nick Mason (batería), Roger Waters (voz y bajo) y Richard Wright (teclados).
Pink Floyd
Lanzado el 24 de marzo de 1973, es la octava placa de estudio de la banda inglesa, fue un éxito inmediato y se convirtió en uno de los más vendidos a nivel mundial de la historia. Surgió a partir de ideas que habían explorado anteriormente los músicos en sus conciertos y grabaciones. Una de las decisiones que tomaron los miembros, idea de Waters, fue que las canciones del álbum estuvieran relacionadas por una sola temática que incluye el conflicto, la avaricia, el envejecimiento y la enfermedad mental (el último inspirado en el deterioro mental de uno de los fundadores de Pink Floyd: Syd Barrett, que dejó la banda en 1968). Si bien el factor principal que siempre los caracterizó fue la música concreta y las letras filosóficas, “The dark side of the moon” carece de los largos solos instrumentales que sí aparecen en trabajos anteriores, en especial antes de la salida de Barett. Sin embargo, el nivel del rock progresivo en el disco es extraordinario. Un ejemplo es el tema “The Great Gig in the Sky”, que si bien metafóricamente representa a la muerte, es una canción instrumental que le da vida al cuerpo. La única voz de la canción es la de Clare Torry, cantante de sesión y compositora invitada, que en lugar de letra canta un potente grito al aire que despierta los sentidos.
The dark side of the moon - 1973
El álbum fue grabado en los famosos estudios Abbey Road, en Londres, en dos sesiones, en 1972 y en 1973. Pink Floyd usó algunas de las técnicas de grabación más avanzadas de la época, incluyendo grabaciones multipista y “loops” (varios samples sincronizados). Uno de los responsables que aportó en los aspectos innovadores de sonido fue Alan Parsons (músico e ingeniero de sonido), como por ejemplo en la utilización de sintetizadores analógicos en varias de las pistas.
La portada del disco, que tiene el dibujo de un prisma con seis colores, fue diseñada por Storm Thorgeson y Aubrey Powell, del grupo “Hipgnosis” (encargado de portadas anteriores de Pink Floyd) y está inspirado en una fotografía que Thorgeson había visto en una sesión de “brainstorm” (lluvia de ideas) a la que asistió con Powell. Representa tres elementos: la iluminación en los conciertos de la banda, las letras del álbum y el deseo de Richard Wright de crear una portada más “sencilla y pulcra”. La presentación era en una carpeta desplegable donde venían dos pósters, uno de ellos con fotografías de la banda en concierto y el otro con una imagen de las Pirámides de Guiza tomada por Powell y Thorgeson con una película infrarroja. También incluía una hoja con pegatinas de las pirámides. Además, la banda se encontraba tan confiada con la calidad de las letras que, por primera vez, decidieron añadirlas dentro del LP en forma de texto. Con toda razón.
Canciones
1. “Speak to Me” - 1:30 2. “Breathe” - 2:43 3. “On the Run” - 3:30 4. “Time” (contiene “Breathe Reprise”) - 6:53 5. “The Great Gig in the Sky” - 4:15 6. “Money” - 6:30 7. “Us and Them” - 7:34 8. “Any Colour You Like” - 3:24 9. “Brain Damage” - 3:50 10. “Eclipse” - 1:45
Sumo (de izquierda a derecha): Prodan, Mollo, Daffunchio,
Arnedo, Troglio, Pettinato.
Este blog ya repasó muchos discos del rock internacional. Es hora de darle un poco de lugar a nuestro rock, y un grupo que no puede pasar desapercibido es el del tano Luca Prodan, Sumo,
con una de sus placas más impactantes: “After Chabón”.
En éste, su tercer álbum publicado en 1987, Prodan intenta mostrar un lado distinto de la sociedad, uno más humilde, más sencillo. El título mismo da esa sensación. Bien lo explicó el ex guitarrista de la banda, Ricardo Mollo: “¿Que hay después de ser un chabón?”
Ese estilo de reggae-rock, sumado al post-punk y new wave, que hizo famoso a Sumo, en conjunto con la sencillez de la poesía porteña que impone, y la particular voz del pelado que marcó un hito en la música argentina, hacen de este disco, una obra que no puede ser tomada nunca a la ligera.
After Chabón - 1987
Temas como “mañana en el Abasto”, que mete en la cabeza del escucha una historia gris del barrio en el que Prodan terminó su vida; o “noche de paz”, que no es más que una excelente versión de una canción que une al mundo todos los 24 de diciembre, le dan ese aspecto sencillo y al mismo tiempo genial que distingue al álbum.
Aunque este disco tuvo la suerte, para la banda, de no poseer ningún hit, como si sucedió en sus anteriores lanzamientos con “La rubia tarada”, “Los viejos vinagres” y “Mejor no hablar de ciertas cosas”, entre otros, se puede destacar un tema como “No tan distintos (1989)” que, a pesar de su letra en inglés, se convirtió en un clásico del rock nacional. Crítica de las reglas de la sociedad, la velocidad con que todo transcurre y la falta de singularidad de las personas que transitan las calles porteñas, en miras del futuro que era 1989: “We don´t want no more war” (“Nosotros no queremos más guerra”).
Canciones
1. Crua chan 2. No tan distintos 3. Banderitas y globos 4. Mañana en el Abasto 5. Hola Frank 6. Ojos de terciopelo 7. Lo quiero ya 8. La gota en el ojo 9. El cieguito volador 10. No te pongas azul 11. Noche de paz 12. Percussion baby
“Black swans and wormhole wizards”, así se llama el álbum de estudio número 14 del guitarrista de 54 años y que acaba de lanzar en todo el mundo. Cuenta con la producción de Mike Fraser (AC/DC, Metallica), la del mismo Satriani, y con el acompañamiento musical del baterista Jeff Campitelli, Mike Keneally (Frank Zappa, Steve Vai) en el teclado, y el bajista Allen Whitman (Mermem).
Para presentar el nuevo disco, el talentoso guitarrista neoyorquino hará una gira “mundial” (pasará solo por Europa y Norteamérica) que comienza hoy en Dublin (Irlanda) y terminará en su país natal a fin de año. Pueden enterarse de todo en su página oficial.
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Maná prepara su nuevo álbum
Con fecha de salida prevista para el 7 de diciembre, Maná confirmó que están afinando los últimos detalles de su nuevo disco: “Drama y luz”, producido por los mismos integrantes de la banda mexicana. Su última placa de estudio había sido “Amar es combatir” (2006).
Todos los detalles del nuevo álbum, como por ejemplo la participación de la Orquesta Filarmónica de Suzie Katamaya, los reveló Maná a través de su blog oficial.
¿Quién sigue? No respondas porque no es una pregunta, es el vinilo de hoy: “Who´s Next”, el quinto álbum de estudio de la banda The Who, que 2 años antes revolucionó el rock británico con la primera ópera rock, “Tommy”, y que estaba formada por el cantante Roger Daltrey, el guitarrista y compositor Pete Townshend, el talentoso bajista John Entwistle (1944-2002), y Keith Moon (1946-1978), uno de los mejores bateristas de la historia del rock.
Who´s Next - 1971
El disco, publicado en 1971, fue considerado como el mejor álbum del año por las encuestas Pazz & Jop de The Village Voice. La idea surgió a partir de un fallido intento de Pete Townshend que se denominaría “Lifehouse”, una ópera de rock futurista que llevó al guitarrista a separarse del productor de la banda, Kit Lambert, y a un posterior colapso nervioso debido a la complejidad del proyecto.
La placa tuvo un gran éxito causado por el sonido novedoso, para aquella época, que presentó gracias al avance tecnológico incluido maravillosamente por Townshend: El sintetizador. Un ejemplo es el tema inicial del álbum y uno de los más famosos, "Baba O'Riley", que sumado al violín Dave Arbus le dan un tinte irlandés al poderoso rock de la banda.
Otra cosa que atrajo al público fue la portada, que muestra a los Who después de orinar en un monolito. La foto fue tomada en Easington Colliery, y se dice que algunos de los integrantes de la banda no pudieron “regar” la escultura, por lo que se utilizó agua para simular el efecto. En 2003, el canal de televisión VH1 colocó esta portada en el segundo puesto de las mejores portadas de todos los tiempos.
Una versión de la tapa, que no fue aceptada, incluía a Keith Moon vestido con ropa interior de mujer, peluca marrón y un látigo de cuero. La extravagancia de un genio.
Canciones
1. "Baba O'Riley" - 5:00 2. "Bargain" - 5:33 3. "Love Ain't for Keeping" - 2:12 4. "My Wife" (Entwistle) - 3:41 5. "The Song Is Over" - 6:16 6. "Getting in Tune" - 4:50 7. "Going Mobile" - 3:42 8. "Behind Blue Eyes" - 3:42 9. "Won't Get Fooled Again" - 8:32
Tuvo una reedición en 1996, y una edición “Deluxe” que sacó la banda en 2003 con temas adicionales a la versión original.
Claro, si nos preguntamos sobre alguna banda importante de la primera oleada del punk británico de fines de los 70´s inevitablemente se nos viene a la cabeza The Clash, el conjunto formado por Joe Strummer y Mick Jones, ambos en voz y guitarra, Paul Simonon, en bajo, y Topper Headon en los parches (aunque los miembros no fueron siempre los mismos, hubo varias formaciones pero esta es la más conocida). Y si pensamos en ellos tampoco podemos eludir su tercer álbum: “London Calling”, uno de los mejores discos del rock, que vendió cerca de dos millones de copias alrededor del mundo, y fue publicado en diciembre de 1979.
Elvis Presley - 1956
Si bien esta placa fue colocada en el octavo lugar de los 500 mejores álbumes de toda la historia (revista Rolling Stone), no es el foco de la nota, más bien repasemos su historia. En principio el título de la portada, “London Calling”, hace referencia a una frase usada en las emisiones de la BBC durante la Segunda Guerra Mundial: “This is London calling...” (“Esto es Londres llamando”).
La foto que aparece en esta misma portada es la de Simonon golpeando su bajo Fender Precision (el cual se exhibe en el Salón de la Fama del Rock, en Cleveland, desde mayo de 2009) en una actuación en el Palladium de la Ciudad de Nueva York el 21 de septiembre de 1979, durante la gira estadounidense "Clash Take the Fifth". En 2001 fue nombrada la mejor fotografía del rock and roll de todos los tiempos por la revista "Q", comentando que "captura el último momento del rock and roll: la pérdida total de control".
Además, en honor al álbum debut del “Rey del rock and roll” (23 de marzo de 1956), copiaron la tipografía del primer disco de Elvis Presley, el cual llevaba su nombre.
No solo eso, sino que también la tapa de “London Calling” fue elegida entre otras diez por el Royal Mail para la serie de sellos postales "Classic Album Cover", emitidos en enero de este año. Una portada con muchos honores, y mucha historia encima.
En varios de los artículos sobre discos de rock que publiqué en este blog menciono a "los mejores álbumes según la Rolling Stone". Es un dato que creo importante porque es una revista de origen norteamericano que desde 1967 se dedica exclusivamente a la música, en todo el mundo.
En una de sus ediciones especiales crearon una lista con los 500 mejores álbumes de todos los tiempos (no solo de rock), que a mí personalmente me pareció muy interesante. Tiene cosas para destacar, como por ejemplo que dentro de los cinco mejores aparecen tres de The Beatles ("Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band", "Revolver" y "Rubber Soul"), y uno más dentro del Top Ten ("The White Album"). Quizás en algunas cosas concuerden y en otras no, como pasa con siempre en la vida de un individuo, por eso les dejo el link para analizarla tranquilamente: http://www.rollingstone.com/music/lists/6862/35223/48213
El gran vinilo de hoy es “Are you exeperienced?”, álbum debut y éxito rotundo de la banda capitaneada por el dios de la guitarra y la distorsión: Jimi Hendrix, junto a Mitch Mitchell en la batería y Noel Redding en el bajo. El disco fue lanzado en 1967 y presenta una combinación perfecta entre el blues y la psicodelia, colmada de efectos de wah wah,
Feedback, dignos del guitarrista nacido en Seattle. Vendió millones de copias en Norte América, mucho más luego del espectáculo que dio la banda en el Monterey Pop Festival, en junio de ese año.
Este álbum es considerado uno de los mejores de la historia del rock, y cuenta con clásicos que suenan hasta el día de hoy como “Purple haze”, “Hey Joe” (la única del disco que no fue escrita por Hendrix, sino por Billy Roberts) y “Foxy Lady”, que fueron Top Ten en Reino Unido.
Jimi Hendrix es considerado por la mayoría como el mejor guitarrista de todos los tiempos. Su debut discográfico lo demuestra. La destreza que poseía con la distorsión, que brilló en Woodstock, dejó una marca imborrable. Fue parte del nacimiento del rock and roll con su participación como guitarrista en la banda de Little Richard en la década del ´60, y podría haber llegado a ser mucho más sino fuera porque el 18 de septiembre de 1970 murió en Gran Bretaña después de ingerir nueve pastillas tranquilizantes. Gracias por el legado que dejó.
Canciones
1. Hey Joe (3:30) 2. Stone Free (3:35) 3. Purple Haze (2:51) 4. 51St Anniversary (3:15) 5. The Wind Cries Mary (3:20) 6. Highway Chile (3:32) 7. Foxy Lady (3:19) 8. Manic Depression (3:42) 9. Red House (3:51) 10. Can You See Me? (2:32) 11. Love Or Confusion (3:11) 12. I Don''t Live Today (3:55) 13. May This Be Love (3:11) 14. Fire (2:43) 15. Third Stone From The Sun (6:44) 16. Remember (2:48) 17. Are You Experienced? (4:14)
La posición de las canciones cambia de acuerdo a si es la versión estadounidense del disco o la británica.
- “La música es religión para mí. Habrá música en el más allá”-
Las tapas de los discos no son siempre lo que parecen, o a veces ocultan una historia interesante detrás. “Hot Rats”, es considerado como la máxima expresión del rock progresivo de Frank Zappa, y uno de los mejores discos del rock en general, por la creativa fusión de jazz, rock, blues, funk. Una obra maestra. Pero algo que llama la atención y nos deja en la duda es la portada, en la cual aparece una mujer con los pelos parados asomándose, acechando. ¿Quién es ella? ¿Qué quiere?
Para empezar, esa mujer desconocida (para la mayoría) es Christine Frka, o “Miss Christine”, miembro del grupo femenino GTO’s (Girls Together Outrageously), una banda a la cual Zappa le produjo su único disco, “Permanent Damage” (1969), tras acampar en su jardín. En esa época, ella era la novia de Alice Cooper, y es a quién se le acredita el llamativo look del cantante.
Pero no solo aparece en la tapa de “Hot Rats”, sino que Christine también aparece en la portada interior “Runt”, de Todd Rundgren. Y por si eso fuera poco, The Flying Burrito Brothers, banda country de fines de los 60´s, le dedicó una canción a esta misteriosa mujer, “Christine’s Tune”(“La melodía de Christine”), aunque después de su muerte por sobredosis en 1972, le cambiaron el título a “She’s The Devil In Disguise” (“Ella es el diablo con disfraz”).
